Intorno il buio. Solo il cono di luce di una lampada sullo scrittoio di vecchio legno nel silenzio, restituiva il colore blu dell’inchiostro a tutte quelle parole che andavano semplicemente troppo spesso a capo.

Ma i segni che riempivano fogli e quaderni, quelli miei e quelli visti e scartabellati di antenati, su pagine ingiallite e fitte di grafie antiche ed eleganti, li ho ancora negli occhi e nel cuore e, probabilmente, non voleranno mai via dalla memoria e la memoria da essi: scripta manent.

Lo scritto rimane, ma anche mantiene in sé i ricordi, li custodisce, li accompagna attraverso lo scorrere del tempo.

Li porto dentro, quei segni, come icone di un’altra vita, di un’epoca in cui i tratti dei sentimenti venivano fissati di proprio pugno e tradivano emozioni e stati d’animo, decisioni e insicurezze non demandate all’informatica, non nascoste sotto l’anonimía seriale di uno short message.

 

Tuttavia la ricerca di nuove sintesi comunicative attraverso consolidati strumenti espressivi si spinge a volte verso la realizzazione di opere totali in cui i materiali propri dell’arte si fondono con i segni quotidiani in una rinnovata e funzionante estetica del linguaggio.

Al contrario dell’atto archetipo dello scrivere che pur nascendo sottoforma di gesto artistico ha dei referenti semantici ben precisi (come ad esempio i geroglifici), il gesto artistico della Boschi, come degli altri artisti che incontreremo in queste pagine, diventa segno iconico il cui significato non si esaurisce nella relazione con ciò che indica o da cui nasce, ma si carica di nuovi contenuti, sempre più profondi, ogni qualvolta viene fruito: il significato rimbalza continuamente sul significante e si arricchisce di nuovi echi (Eco, 1976, pag.84).

È una sintesi originale che non si consuma in una semplice giustapposizione di elementi, ma si realizza in una forma ben riuscita da cui emerge un progetto comunicativo sicuramente di grande efficacia: è ciò che Eco già nel ’62 chiamava Opera Aperta applicando la teoria dell’informazione all’estetica.

 

Ma il forte contenuto estetico non offusca in questo caso il valore etico di cui l’opera d’arte si fa portatrice, (come vuole sostenere chi tenta di affibbiare all’arte una funzione di mera rappresentazione), ma diventa addirittura mezzo che ci agevola nel trascendere la superficiale degustazione del bello-inutile continuamente propagandata dalla società consumista, per darci una nuova chiave interpretativa di quei valori che nascono nell’interiorità dell’artista, ma che attraverso i segni continui della scrittura divengono filo di sutura delle ferite inflitte alla nostra sensibilità dalla futilità dei messaggi da cui quotidianamente siamo trafitti.

 

Non parliamo, quindi del segno certo della retorica pubblicitaria, della formula perfetta che può aprirci qualsiasi porta del mondo dell’immagine, ma del tratto malfermo della mano sul foglio o sulla tela, della scrittura che non copre ma rende trasparente il messaggio di un artista, della parola che solo ci può dire ciò che non siamo, ciò che non vogliamo...

 

GF

Ma, al di là di uno stupido gesto anticonformista, cercavo un più profondo legame con qualcosa che è parte di noi, che ci tiene in vita, che vive dentro di noi.

Cercavo di sentirmi parte di questo ciclo eterno e avrei voluto seguirne il viaggio scomparendo in quei rigagnoli che si formavano fra i basoli sotto i miei piedi. Mi sarei lasciato assorbire dalle piante diventando loro nutrimento o evaporando da una pozzanghera di ritrovata quiete allo spuntare del nuovo sole. Avrei viaggiato ancora tra le nubi che prima o poi mi avrebbero risbattuto in un torrente e poi in un fiume e poi in mare, nella riunione eterna, nel ritorno all’indifferenziazione, nell’accesso al Nirvana. Avrei volato ancora con le nubi, evaporando dalla massa salata, ritornando al Principio, e poi giù ad infiltrarmi nel sottosuolo per alimentare la gigantesca spugna terrena e rifornire i pozzi e gli acquedotti degli umani. Bevuto o usato, scaricato nei meandri di mille percorsi fognari tra ratti sapienti e pneumatici e ruggine e vetri, di nuovo in mare, abusivo e inquinante fra bagnanti ignari, per poi evaporare di nuovo e piovere ancora su di me e sui miei pensieri in una notte di pioggia senza gusto ne’ colore.

 

Siamo acqua che scorre, nasciamo da acqua che scorre.

L’acqua è l’arché, il liquido amniotico che genera tutte le cose. La corrente delle acque è la corrente della vita e della morte che sgorga dalla Palude della Memoria, sorgente della conoscenza, luogo sacro del sapere.

 

Ma da bravi figli dell’epoca nuova non rispettiamo la nostra genitrice e ne facciamo scempio, spreco, lasciandola spesso agonizzare in letti luridi e spogli.

Chi rinuncia al consumismo di lavastovoglie lavatrici autolavaggi pluriquotidiani? A chi interessa (salvando l’impegno di alcuni ambientalisti e di chi si sforza di vivere la sua vita in maniera ‘etica’) come risparmiare? E di modi ce ne sarebbero tanti…

 

Mi venne di pensare a mia madre, con i capelli dentro il fazzoletto blu. Pur con l’acqua corrente in cucina ne adoperava poca in ricordo della scarsità. Ci sono dei risparmi che si radicano nei gesti e quando non sono più necessari lasciano una misura esatta come una regola. Le tenevo compagnia dopo il pasto mentre rigovernava in cucina, aprendo e chiudendo il rubinetto innumerevoli volte, mai lasciando scorrere a vuoto. (Erri De Luca, 1992). 

 

Anche la pioggia, quindi, è fecondatrice del suolo, sperma della vegetazione che ha bisogno di essa per crescere, ma come simbolo delle influenze celesti sulla terra: Dio manda un angelo in ogni goccia di pioggia (Islam).

 

 

È forse vero, come sostengono alcuni, che nell’arte contemporanea è il dolore la fonte primaria di ispirazione dell’artista, incapace di proporre felicità, ma solo disagio.

Sarebbe, allora, il momento che l’Artista imparasse a risolvere dentro le sue paure, restituendo al mondo certezze etiche ed estetiche, sollevandolo dalla precarietà di un’esistenza priva di valori: l’Arte, fiume purificato dagli scarichi, vero farmaco, dono celeste per gli occhi, come l’acqua capace di sciogliere con pazienza qualsiasi sostanza, scorra sulle colpe e sulle brutture purificando e operando una rinascita dall’arte, per sfociare nel mare del rinascimento delle idee e delle esperienze.

 

 

GF

Il percorso, articolato sui due piani della Galleria, è una scansione di istanti, un incontro di sguardi, quello dell’artista e quello dello spettatore che insieme si avviano alla ricerca di se stessi, nello scontro fra pensiero ed emozione, realtà e suo segreto (come sottolinea Pier Damiano Ori nello scritto introduttivo).

Ma ritenere che Maioli sia un paesaggista urbano è quanto mai riduttivo: il suo fine non è il ritratto di un luogo o la bella fotografia di un ambiente; no, Maioli usa la fotografia come mezzo d’indagine estetica da un lato, interiore e quindi se vogliamo umana, da un altro.

La ricerca di Maioli è interessante anche perchè non si fossilizza sulla iconicità o su una riconoscibilità forzata della sua opera. Non cerca la serialità ma la libertà. E questo coraggio-incoscienza è sempre più raro in un artista contemporaneo, come rara è l’umiltà di sottrarsi al ruolo di personaggio pubblico, per essere giudicato esclusivamente in base alla sua istintiva ricerca privata.

Pesante e forse un po’ forzata è la soluzione light box, che contrasta e distoglie troppo l’attenzione dalla delicatezza quasi romantica dei colori dei lavori riprodotti su forex. Di grande impatto cromatico e materico (seppure nelle dimensioni ridotte) sono le opere su alluminio, dove la raffinatezza estetica dell’opera trova il miglior compimento possibile nella leggerezza del supporto e nell’eccezionale resa della stampa lambda.

Peccato soltanto per la mancanza di una degna pubblicazione che coronasse criticamente questo interessante e promettente percorso.

GF